Richard Gorman è nato a Dublino nel 1946. Dopo gli studi al Trinity College e alla Dún Laoghaire School of Art and Design, dal 1980 si è trasferito a Milano. Richard è soprattutto noto per gli abbinamenti astratti di colori e forme, e le interazioni tra gli elementi geometrici. Il suo lavoro è stato molto influenzato da vari viaggi in Giappone e dall’incontro con artigiani locali.
Richard ha esposto in istituzioni pubbliche e private sia nel suo Paese di origine sia internazionalmente, in Europa, in Inghilterra, in Giappone.
Le sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private. Tra le altre, le collezioni dell’ Irish Museum of Modern Art, del Civic Offices Dublin, dell’ Ulster Museum in Belfast, della AIB Bank, dell’Annie and Joseph Albers Foundation. E’ stato il primo artista Irlandese a cui la Maison Hermes ha commissionato la realizzazione di un carré. E’ del 2015 KAN , la sua prima mostra ad Assab One.

Letizia Cariello 

Nata a Copparo in provincia di Ferrara, Letizia Cariello vive e lavora a Milano, dove insegna Anatomia Artistica all’Accademia di Belle Arti di Brera. SI è laureata in Storia dell’Arte all’Università degli Studi di Milano e dopo aver lavorato per il cinema in Italia e negli Stati Uniti ha conseguito il diploma in Pittura all’Accademia di Belle arti di Brera. La sua ricerca esplora attraverso diversi media (disegno, installazione, fotografia, scultura, video…) la relazione fra spazio interno e spazio esterno. Il tentativo di intercettare la consistenza materiale del tempo si concentra nell’inseguimento delle sue tracce, segnandolo in scrittura (i calendari), oggetti e materia. Opere di Letizia Cariello sono in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero. L’artista ha tenuto mostre personali in isituzioni come Palazzo Borromeo, Milano (2018, 2016) e LAC, Lugano (2016). Le sue ultime due mostre sono Seven Gates, tenutasi dal 27 settembre al 18 dicembre 2019 alla Galleria Fumagalli di Milano e la personale Il Crepaccio Instagram Show curata da Caroline Corbetta il marzo 2020.

www.letiziacariello.com/

Claire Carpenter

Claire ha studiato incisione al National College of Art and Design (NCAD) di Dublino, conseguendo un master alla Chelsea School of Art di Londra. L’artista cita l’opera di Goya, così come l’emozione che emerge dagli affreschi di artisti come Giotto e le opere di vari scrittori di narrativa, come forti influenze nel suo lavoro. Carpenter usa di solito la tempera su un fondo di gesso e attraverso pennellate ritmiche e morbide evoca un’atmosfera onirica. Molte delle opere hanno dettagli minuziosi che sono stati dipinti sotto una lente d’ingrandimento e che richiedono allo spettatore di essere guardate attentamente da vicino.

Chung Eun Mo 

Nata e cresciuta in Corea del Sud , Chung Eun Mo si è trasferita a New York a metà degli anni ’60 prima di scegliere di vivere tra l’Irlanda e l’Italia negli anni ’80. Il suo lavoro si basa su una profonda conoscenza del Modernismo, in particolare del lavoro dei primi astrattisti. Come Malevich e Albers, è affascinata dalle armonie matematiche e cromatiche e dagli effetti mutevoli della luce su di esse. Chung Eun Mo espone regolarmente le sue opere ed è presente in molti dei più importanti musei privati e pubblici a New York, Roma, Monaco di Baviera e Seul. Ha partecipato alla prima edizione di 1+1+1 ad Assab One nel 2017.

www.chungeunmo.com/

Marta Dell’Angelo 

Marta Dell’Angelo è nata a Pavia nel 1970. La sua ricerca, estesa alle neuroscienze e all’antropologia, è centrata sul corpo umano ed è focalizzata sul gesto e la postura. Marta si esprime servendosi di una grande varietà di linguaggi che vanno dalla pittura alla video installazione, dal disegno alla performance. Ha partecipato nel 2017 alla prima Triennale dedicata all’arte contemporanea in Armenia e il suo lavoro è stato presentato in diverse gallerie e musei in Italia e all’estero: a Milano al Pac Padiglione di Arte Contemporanea, a Palazzo Reale, a Palazzo delle Stelline, al Museo del Novecento, alla Mediateca di Santa Teresa, alla Triennale; a Roma al MACRO, a Bologna al MAMbo e a Nosadelladue, a Venezia a Palazzo Fortuny; a Madrid all’Istituto Italiano di Cultura, a Berlino al Medizin historisches Museum. Ha pubblicato Manuale della figura umana nel 2007 e in occasione della sua mostra personale del 2019 ad Assab One, Afrodite A, una collezione di 5 volumi che documenta i vari aspetti del suo lavoro.

www.martadellangelo.com/

Nathalie Du Pasquier 

Nathalie Du Pasquier è nata a Bordeaux (Francia) nel 1957. Vive a Milano dal 1979. Ha lavorato come designer nell’ambito del Gruppo Memphis, iconico movimento del design postmoderno, fino al 1986, quando la pittura è diventata la sua attività principale. Negli ultimi trentacinque anni, Du Pasquier è stata incuriosita dal rapporto tra gli oggetti e gli spazi in cui sono installati. Questa continua ricerca si è manifestata in dipinti, sculture, disegni, modelli, costruzioni, tappeti, libri e ceramiche, operando costantemente tra la rappresentazione e la non rappresentazione, il tangibile e il non tangibile, la realtà e l’immaginazione, e forme bidimensionali e tridimensionali.

https://nathaliedupasquier.com/home1.html

Taffina Flood

Taffina Flood è nata a Dublino e ha studiato al National College of Art and Design della città irlandese, dove attualmente insegna. L’artista ha conseguito un Bachelor of Arts (BA) in Fine Art (Pittura) e un Master of Arts (MA) in Fine Art (Pittura e incisione). Specializzata in pittura, incisione, fotografia e tessuti, Flood è anche conservatrice di carta. Ha esposto i suoi dipinti e le sue stampe in Irlanda, Regno Unito, Francia, Svezia e Stati Uniti, in sedi come la National Gallery of Ireland e il Portland Art Museum USA.

Domiziana Giordano

Domiziana Giordano, vive e lavora a Milano. Ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano, la New York Film Academy, lo Stella Adler Studio di New York, l’Accademia d’Arte Drammatica Silvio D’Amico e la Scuola di Recitazione Alessandro Fersen. Cresciuta in una famiglia di architetti e pittori, utilizza da sempre la pittura, il disegno, il video, la fotografia, la performance e la pratica attoriale con costanti quali l’elemento narrativo, come meccanismo di conoscenza e l’indagine dell’idea di legame, inteso come vincolo sociale. Nei suoi progetti focalizza l’attenzione sul concetto di leggerezza, opposta alla costrizione, sulle religioni e sul loro condizionamento dell’immagine sociale dell’individuo.

www.domizianagiordano.it/

Aya Ito

Aya Ito è nata a Wakayama, Giappone, nel 1987 e attualmente vive e lavora in Irlanda. Ha ricevuto il MFA dalla Kyoto City University of Arts (Dipartimento di Pittura) e premi come lo Shu Uemura Prize e il Judge’s Prize (Yuko Hasegawa) all’ “Art Award Tokyo Marunouchi 2011”. Popolata da figure inquietanti simili a fantasmi provenienti dalla tradizione giapponese, le sue opere si ispirano più al realismo che all’immaginazione. Per realizzare i suoi dipinti, Ito utilizza il processo di “photo-drawing”: un tableau di maquette, disegni, ceramiche e collage, accuratamente organizzato, viene fotografato dall’artista da varie angolazioni, prima di creare una composizione che verrà dipinta. Dopo aver esposto varie mostre collettive in tutto il Giappone, nel settembre 2017 ha tenuto la mostra personale “Sleeping Stone” alla Tomio Koyama Gallery di Tokyo.

Eithne Jordan

L’artista irlandese Eithne Jordan (nata nel 1954) ha studiato all’Istituto di Arte, Design e Tecnologia Dun Laoghaire di Dublino ed è membro dell’Aosdána e del RHA. Dai suoi dipinti espressionistici carichi di emozioni dei primi anni ’80, il lavoro di Jordan si è evoluto in un’esplorazione formale e una rappresentazione del mondo visibile. Guarda all’ambiente urbano contemporaneo e si concentra su spazi anonimi: tetti di fabbriche, tunnel della metropolitana, sottopassaggi e muri bianchi, quei non-luoghi che sono spazi dimenticati in città come Parigi, Rotterdam, New York, Barcellona e, più recentemente, Vienna. Un diffuso sentimento di malinconia permea le sue opere, dove la presenza umana è rara. La sua ultima mostra personale è stata Tableau, Dublin City Gallery The Hugh Lane.

www.eithnejordan.ie/ 

Wendy Judge

Wendy Judge è un’artista visiva irlandese. Ha studiato al Dun Laoghaire College of Art and Design in Irlanda (1986-1989) e ha ricevuto un diploma in Design Communications. La pratica artistica di Judge si dedica all’armchair travel – i viaggi fatti da casa – e all’esperienza autentica, alla frontiera turistica e all’anomalia del paesaggio. I viaggi che descrive non sono mai realmente intrapresi o si basano su testimonianze di altri, domandandosi che cosa viene percepito come reale. La sua ultima mostra, intitolata The Lost Library, si è tenuta presso la Lawn Mór Gallery, Dalkey, nel 2019. Ha anche ottenuto diversi premi: il più recente è il Thomas Dammann Junior Memorial Trust Award nel 2019.

http://wendyjudgeart.squarespace.com/

Róisín Lewis

Róisín Lewis si è laureata al National College of Art and Design (NCAD) in belle arti e ha conseguito una post-laurea in belle arti alla University of Ulster e in sistemi multimediali al Trinity College di Dublino. Il focus generale del lavoro di Róisín è l’analisi artistica della percezione e, in particolare, la correlazione tra l’esperienza spaziale e temporale e il processo del disegno. Lavorando sempre più a partire dalla memoria piuttosto che dall’osservazione, le esperienze passate che riemergono attraverso il processo del disegno in studio costituiscono il punto di partenza dei progetti in corso. Il suo lavoro non è limitato ad alcun mezzo o materiale e ad oggi ha trovato forma come opere su carta, installazioni, performance e collaborazioni multimediali. Lewis ha esposto in sedi come il Berkeley Art Museum, California; Yanagisawa Gallery, Tokyo; Assab One, Milano (2016). Il suo ultimo progetto è Realtime, presentato al Pallas Projects, Dublino, nel 2018.

www.roisinlewis.com/ 

Alice Maher

Alice Maher è nata nel 1956 e ha studiato all’Università di Limerick e al Crawford College of Art di Cork. Maher è una delle principali artiste contemporanee irlandesi. Lavora nell’ambito della natura e della cultura, della sovversione e della trasformazione, della mitologia e della memoria, coinvolgendo diversi media tra cui pittura, disegno, scultura, stampa, fotografia e installazione. Ha esposto ampiamente in Irlanda, Inghilterra e Stati Uniti, e ha rappresentato l’Irlanda alla 22° São Paulo Bienal. Una retrospettiva di metà carriera delle sue opere è stata presentata a IMMA nel 2012. La sua ultima mostra personale, Vox Materia, si è tenuta al Source Arts Centre di Thurles, Irlanda, nel 2018.

http://alicemaher.com/ 

Camilla Santi 

Nata a Milano il 23 gennaio 1955, Camilla Santi è un’artigiana visiva che lavora tra Milano, Londra e Parigi. Dopo avere frequentato la scuola di grafica e design in Svizzera, collabora con la casa editrice Condè Nast per la testata Lei. Apre nel ’75 il suo studio collaborando con aziende di diversi settori e, come consulente allo stile, con Disegna Demetra e Kamla Denicolai. Nella moda progetta performance per stilisti da proporre al mercato italiano e lavora con Shiseido come consulente artistico. Si occupa anche di architettura, progettando spazi pubblici e privati. Edita una collana dedicata al design rurale, un libro sulle sue opere SCONTRI/NO e “Scatola per pagine libere con coperchio”, una documentazione sulle opere di Bruno Munari. Inizia a esporre in gallerie d’arte e a lavorare su varie performance. Nel ’69 vince il concorso di oggetti di design per bambini Abitare/Bambini che vede in giuria, tra gli altri, Abe Stainer e Marco Zanuso.

http://studiocamillasanti.org/en/io/ 

Amelia Stein

Amelia Stein vive e lavora a Dublino, Irlanda, dove è nata nel 1958, affermandosi per oltre 30 anni come fotografa particolarmente scrupolosa. Il suo lavoro è caratterizzato da un’attenzione meticolosa per i dettagli che si accompagna agli attributi della fotografia in bianco e nero, utilizzando l’assenza e il passare del tempo come temi ricorrenti. Come fotografa di performing arts, Stein ha lavorato nel teatro e nell’opera in Irlanda (1979-2000) e la sua fotografia in bianco e nero è stata molto utilizzata nell’industria musicale. Stein è stata eletta membro del RHA nel 2004, di Aosdána nel 2006. Tra le sue opere ci sono Pond Weed (RHA Annual, 2018) e Sheepwire (2015).

www.ameliastein.com/about-amelia-stein/ 

Azusa Takahashi

Azusa Takahashi è nata in Giappone nel 1991 e attualmente vive a Saitama. Si è laureta nel 2016 in Belle Arti alla Tokyo University of the Arts e ha studiato alla University of Applied Arts Vienna tra il 2018 e il 2019, anni in cui è stata anche assistente di Richard Gorman a Milano e Dublino. Takahashi ha poi ottenuto il diploma in incisione alla Tokyo University of the Arts nel 2019. Nei suoi lavori, Azusa mette insieme forme e colori e ci gioca per formare un paesaggio o uno scenario. Usando principalmente gli stencil, l’artista taglia forme dalla carta e le combina su altra carta con colori acrilici. Tra le ultime mostre mostre che ha tenuto, Solo Exhibition alla Art Zone Kaguraoka di Kyoto (2018) e YAN alla So Fine Art Editions di Dublin (2019).

Wang Muyi

Wang Muyi è nata a Wuxi, in Cina, nel 1989 e si è trasferita a Nagoya, in Giappone, nel 1994. Dopo aver studiato Belle Arti alla Tokyo University of the Arts in Giappone, Muyi ha ricevuto un master (2013-2016) e un dottorato (2017). Le opere di Muyi sono spesso associate al linguaggio, usato come tema della sua arte, perché il linguaggio riflette la nostra percezione delle comunità più di qualsiasi immagine. Ogni carattere di ogni lingua può essere considerato come una semplice raccolta di linee, in modo che le comunità possano essere riconosciute dalle leggere differenze tra le loro linee e i suoni. L’artista ha tenuto mostre in tutto il mondo: una di queste, The Bond of Art, si è tenuta al Ningbo Museum of Art, in Cina, nel 2017.

https://muyiwang.myportfolio.com/

Antonio Catelani

Antonio Catelani nasce a Firenze nel 1962 e si diploma all’Accademia di Belle Arti di Firenze nel 1985. Nel 1995/1996 si trasferisce a Stoccarda dove lavora sostenuto da una borsa di studio concessa dall’Akademie Schloss Solitude. Vive a Berlino per 10 anni e attualmente vive e lavora a Milano. Dalla metà degli anni Ottanta, Antonio Catelani è impegnato in una riflessione sui processi normativi nel campo della scultura, con chiari riferimenti all’architettura. Ogni azione è un particolare sondaggio dello
stato dell’opera, dove la natura fisica della scultura è spinta verso l’incerto confine tra progetto e oggetto, attraverso un indebolimento dei confini che separano le varie discipline. La riduzione formale non porta all’oggettivazione insita nel Minimalismo e anzi si differenzia da questo per la discontinuità e la temporaneità delle sue forme, oltre che per un eccesso di significati e di dati percettivi. Il modello diventa un corpo paradigmatico di questa condizione e concezione della realtà transitoria, in costante mutamento e mai pienamente completa. Una delle sue ultime mostre personali è “doppio soggetto”, tenutasi alla Galleria Rizzuto di Palermo nel 2019.

www.antoniocatelani.com

Beppe Caturegli

Beppe Caturegli si è formato nel clima culturale dell’architettura radicale a Firenze. Dopo la laurea in architettura nel 1982, si trasferisce a Milano per iniziare una lunga e intensa collaborazione con Ettore Sottsass, il gruppo Memphis e la rivista Terrazzo. Nel 1987, insieme a Formica Giovannella decide di aprire lo studio Caturegli Formica Associates Architects: il loro lavoro va dall’architettura residenziale e commerciale al restauro, dagli interni ai mobili, lampade e posate, dai dipinti e ceramiche ai video. Con l’obiettivo di arricchire il significato dei progetti di architettura, utilizzano sistemi misti come l’industriale/artigianale, globale/locale, prodotto in serie/one-off. Un aspetto della loro ricerca è l’uso strutturale del colore e della luce in architettura. Più recentemente, hanno messo grande impegno e ricerca nell’uso della luce nel contesto di progetti di bioarchitettura. Le loro opere sono state esposte al Deichtorhallen Hamburg, Centre Pompidou di Parigi, Mino Ceramic Art Museum in Giappone, Metropolitan Museum of Art a New York, alla Triennale di Milano.

www.caturegliformica.com/

Fabio Mantovan 

Dopo gli studi in medicina e un paio d’anni come manager degli studi fotografici di un’importante gruppo editoriale, nel 1987 Fabio Mantovan decide di seguire la sua passione per la fotografia iniziando una proficua collaborazione con Giuseppe Pino. Nel 1990 comincia la carriera professionale come fotografo di ritratto, moda e pubblicità. Nel corso di questi anni lavora per molte riviste e giornali italiani e internazionali (Moda, King, Vanity Fair USA, Sportweek, Gazzetta dello Sport, Panorama, Epoca, Newsweek, Amica, Elle Italia, Elle Korea, Elle Japan, Gioia, Anna, Donna, Grazia, Class, Capital, Gente) e per agenzie di pubblicità (Saatchi and Saatchi, Leagas Delaney, McCann Ericksson, Talent, Fagan Reggio Del Bravo, Armando Testa, Le Balene).

http://fabiomantovan.it/

Fabio Paleari

Fabio Paleari è nato a Milano nel 1963. Dopo aver terminato gli studi in fotografia alla UCLA, Paleari si divide tra la fotografia pubblicitaria – lavorando con Vogue e Saatchi & Saatchi, tra gli altri – e la fotografia dei suoi lunghi viaggi in America Latina, Australia e Marocco. Paleari è considerato uno dei più radicali fotografi a livello nazionale. Le sue fotografie rappresentano una sorta di diario intimo di esperienze intense e di emozioni molto forti. È capace di attingere al suo passato selvaggio, a volte domandolo e filtrandolo con un occhio più maturo e meditativo, altre volte è anche cinico e rivelatore. Ha anche pubblicato molti libri come The Leu Family’s Family Iron (Trolley Publishing, Londra, 2003) e prodotto documentari e film sperimentali. La sua ultima mostra personale è stata un documentario cinematografico, The last beat of Allen Ginsberg, realizzata al Gnam di Roma nel 2018. Ha presentato Lo Que Dura un Sueno ad ASSAB ONE, Milano, nel 2009.

https://cargocollective.com/fabiopaleari